Entrevista a Lucía Agirre & Tracey Bashkoff

La exposición de Hilma af Klint podrá visitarse en el Museo Guggenheim hasta febrero de 2025. ¿Con qué se encontrarán los visitantes?

La exposición será un repaso exhaustivo de la carrera de la artista sueca, que abarca desde sus primeras obras sobre temas tradicionales, sus dibujos automáticos y sus series más destacadas, como Pinturas para el Templo, Parsifal, la serie Átomo, hasta las acuarelas de sus últimos años.

Esta será una de las mayores exposiciones, si no la mayor, de la obra de Hilma af Klint presentada en España…

Lo más probable es que sí, porque ha habido otras exposiciones en España con anterioridad, pero esta muestra pretende ocupar de forma espectacular el espacio del museo, desplegando la exposición a lo largo de toda la segunda planta del magnífico edificio de Frank Gehry. En este sentido, vamos a mostrar algunas obras de gran formato o series enteras que no se han visto, o solo de manera parcial, en otras exposiciones.

Hilma af Klint es especialmente conocida como pionera del arte abstracto, y ha habido algunas exposiciones recientes que han puesto su arte en diálogo con otros artistas, como Kandinsky y Mondrian. ¿Consideráis que su "descubrimiento" tardío ha cambiado el discurso sobre la abstracción?

Desde luego, no solo Hilma af Klint, otras mujeres, como Georgiana Houghton u Olga Fröbe-Kapetyn, entre otras, han cambiado el discurso uniforme y masculino sobre la abstracción, y esperemos que esto siga ocurriendo, no solo en cuanto a la abstracción, sino también en otros ámbitos de la historia del arte y de la vida.

Sus obras de arte abstracto rara vez se mostraron en público durante su vida, y solo en las últimas décadas, años después de su muerte, se han dado a conocer al público sus pinturas y obras sobre papel. ¿Qué razones tenía ella para esto?

Durante su vida sí expuso su producción, pero sobre todo sus pinturas figurativas más tradicionales. Rara vez presentaba su arte abstracto en público, y nunca lo mostró en los principales escenarios del mundo del arte. En vez de ello, trató de compartirlo con comunidades espirituales afines, pero le costó encontrar un público entusiasta. Al creer que el mundo aún no estaba preparado para aceptar su obra, Hilma af Klint se esforzó en almacenarla y catalogarla para que la sociedad del futuro la recibiera de forma ordenada.

La Real Academia Sueca de las Artes fue una de las primeras de Europa en permitir a las mujeres tomar clases de dibujo con modelo vivo. ¿Qué se sabe de su paso por esta escuela y cómo forjaron sus estudios su relación con el arte?

No fue hasta 1864 cuando se abrió el departamento femenino de la Real Academia Sueca de Bellas Artes, Fruntimmersavdelningen, donde por primera vez las mujeres podían recibir una educación artística completa como estudiantes, permitiéndoles dibujar a partir de un modelo vivo. Hilma af Klint se matriculó en la Academia en 1882, con casi 20 años, tras sus estudios en la escuela técnica, y en la academia de Kerstin Cardon, y fue una de las primeras mujeres admitidas en la Real Academia de Bellas Artes. Sin embargo, incluso en esta institución progresista, se pensaba que las mujeres eran copistas, mientras que a los hombres se los consideraba artistas. Sin embargo, lo más significativo es que en la Academia, af Klint encontró un terreno de entendimiento y unión entre las mujeres artistas.
 

Y qué dificultades tuvo para integrarse en el ámbito artístico de la Europa de finales del siglo XIX y principios del XX por el mero hecho de ser mujer?

La familia af Klint constituyó un apoyo fundamental, ya que entendía que la educación de sus hijas, al igual que la de los varones de la familia, era importante. La carrera de artista, en el caso de las mujeres, era algo destinado a las féminas de clase alta y media-alta, que disponían de recursos familiares, tanto para costear su formación como para facilitar la dedicación que ello conllevaba, todo ello en una sociedad en la que el matrimonio era una salida socioeconómica natural para muchas mujeres.

Además, para estas artistas era complicado mostrar su obra en público, por lo que en 1910 se fundó la Asociación de Mujeres Artistas Suecas (FSK), en la que Hilma af Klint ejerció de secretaria durante un breve periodo de tiempo. A través de esta asociación, las artistas que abandonaron la academia consiguieron que su obra se expusiera en público, lo que no impidió que importantes críticos siguieran denigrando su trabajo y les recomendaran que se dedicaran a "su trabajo" en casa.

Si analizamos su historia más de cerca, también descubrimos que era una persona muy vinculada al misticismo, la espiritualidad y el más allá. ¿Cómo se reflejó esto en su obra?

Como muchos de sus contemporáneos, Hilma af Klint no veía ninguna contradicción entre los reinos espiritual y científico. De hecho, creía que ambos eran medios para alcanzar una verdad superior. En 1906, Hilma af Klint comenzó su proyecto más importante e innovador, al que dedicó casi una década. Sus Pinturas para el Templo comprenden un total de 193 pinturas y dibujos en los que la artista dejó a un lado su educación formal para crear en su lugar un arte nuevo, no objetivo, informado por su relación con el espiritismo y otras filosofías, como el rosacrucismo, la teosofía y, más tarde, la antroposofía de Rudolf Steiner.

Las formas de sus obras son muy diversas: círculos, esferas, pirámides, animales, flores, etc. ¿Cómo se plasman estos elementos en su arte y qué significado tienen?

En la década de 1930, en un intento de explicar sus crípticos sistemas de palabras, símbolos, colores y combinaciones de letras, la artista recopiló en un cuaderno titulado Letras y palabras pertenecientes a obras de Hilma af Klint algunas definiciones. Aunque ella proporciona este fascinante léxico, las palabras y las letras tenían a menudo múltiples significados, algunos complicados y confusos. Aun así, puede resultar esclarecedor y dar que pensar. Por ejemplo, el rosado o rojo representa el egoísmo, un templo representa la individualidad, el caracol o espiral representa el desarrollo o la evolución, la letra W puede representar la materia mientras que la U puede significar el espíritu, lo que convierte a WU en una dualidad, y otros muchos símbolos curiosos.

Una de sus series más conocidas es la dedicada al Cisne. ¿Cuál es el significado de la figura del cisne en sus cuadros?

El cisne aparece en varias series, pero una está especialmente dedicada a esta ave. Además del significado del cisne en la mitología y las leyendas antiguas, para Helena Blavatsky, fundadora de la teosofía, esta ave simbolizaba la grandeza del espíritu.
 

¿Qué otras obras destacaríais de la exposición y por qué?

Además de las Pinturas para el Templo, su proyecto más importante y pionero en el que empleó casi una década, nos gusta especialmente la serie en acuarela Sobre la contemplación de flores y árboles de 1922, cuando, bajo la influencia de Rudolf Steiner, que creía que la observación minuciosa del mundo natural permitiría experimentar el mundo espiritual, cambió por completo su forma de hacer arte y comenzó a pintar acuarelas de formas botánicas que aspiraban a retratar las fuerzas espirituales de la naturaleza. La artista utilizaba para estas obras la técnica de húmedo sobre húmedo que consistía en humedecer el papel con una esponja húmeda para que la pintura corriera libremente al aplicarla, dejando que los colores generaran el tema.

¿Cuál es el papel de Iberdrola en la exposición y por qué es importante que las grandes empresas apoyen el arte?

Iberdrola a través de su continuo apoyo al Museo Guggenheim Bilbao y especialmente a las voces femeninas, como Hilma af Klint, Yayoi Kusama o Alice Neel, entre otras, está contribuyendo a una forma más expansiva e inclusiva de escribir la historia del arte.